河田　充規
河田　真喜子
原田　灯子
藤崎　栄伸
篠原　あゆみ

〜 寡黙な男の熱き“刑事魂”を熱演〜

（2007年　日本　１時間57分）
監督：瀧本智行
出演：豊川悦司、石橋凌、小澤征悦、笹野高史、片岡礼子、井川遥、松田美由紀

10月27日〜テアトル梅田、109シネマズHAT 神戸
11月17日〜京都シネマ
公式ホームページ→

―――監督ご自身で脚本を書かれるときは、誰が何を演じるかは想定されずに作業を進められるそうですが、この一郎役に豊川さんを選ばれた理由は？

監督：いつも一番決め手なのは魂がある人。魂を持っている人じゃないと演じきっていけないと思うので・・・その点、豊川さんの出演される映画を見ていると、色んな役をやっているなかで訴えかけるものがある。それをいかに自分なりのメッセージの出し方で、豊川さんのキャラクターを作っていけたら面白いかなと思い、お願いしました。

―――豊川さんと天海さんにお聞きします。今回はどこか突き抜けた感のある役ですが演じられていかがでした？

豊川：今回は本当にやりがいのある役で、難しかったけど楽しかったですね。この上原一郎という役は、役者冥利につきるすごくいい役だと思うので、自分がやれてラッキーでした。

天海：私も上原家の一員になれたことが嬉しかったです。上原家のお父さんは破天荒な言動と行動が多いですけど、今の世の中それだけで済ましてはいけないキャラクターだなと思いました。変わっている人が、こんなに浮いてしまう世の中もどうなのかなと思ってみたり（笑）その奥さんであり、お母さんでもあるさくらもある意味“理想”の女性像なのではないかなと思いますね。

―――演じられた役のどの辺りに魅力を感じられましたか？

豊川：すごく愛されるキャラクターであるところ。僕は寅さんに匹敵するキャラクターだと思っているんですけど（笑）。上原家のエピソードであと10コは企画が作れるくらい。エピソードが作りやすいというのもあるし、お父さんお母さん、3人の子供たちみんなキャラクターが立っているんで、色々なことが出来ると思うんですよ。ポジティブなエネルギーを持っている一家であるところがいいですね。家族5人のシーンが一番楽しかったです。

Ｑ：『かもめ食堂』は女性に大変受けましたが、その反響について？

小林：自然と女性が共感するところが多かったが、意外と年配の男性の方にも好評でした。

光石：媚びたところがない。受けようと思ってやってないところがいいのでは？

もたい：外国ロケでオシャレな感じですよね。

Ｑ：それぞれの印象は？

小林：もたいさんとは１０代の頃からの知り合いで、お世話になってきました。今回の映画で、もたいさんの底力を感じてしまいました。光石さんとは初めてでした。経験豊富な方なのに、とても初々しい感じがしました。

光石：もたいさんとは一度共演しましたが、お話はしたことなかったです。小林さんとは今回が初めてです。お二人ともナチュラルで、女優らしくないところがいいですね。毎日一緒にお食事していて、とても居心地の良さを感じました。

もたい：光石さんとは、この作品で一気に親戚の間柄になりました。小林さんとは元から親戚の間柄です。ふところの深い人です。これからも一緒に仕事をやりたいですね。

　 「私も仲間に入れて！」とお願いしたいくらいの和やかな雰囲気の３人でした。お友達になりたいと思える普通っぽさがいい。この調子で、また私たちを癒やしてくれることでしょう。さあ、みんなで映画館へ「たそがれ」しに行きましょう！

Ｑ：スペインでの撮影はどうでしたか？

松下：街中に世界遺産があふれていて、卒業旅行のシーンを撮影しながらも、観光しているのか、撮影しているのかわからなくなりそうな時もあった（笑）。でも、スペインに行って楽しいというのを、芝居ではなく、自然に出せたと思う。

竹財：撮影はすごく楽しかった。もともと、以前からガウディの建物が好きだったので、うれしかった。

Ｑ：ドリカムの曲に対する思いは？

松下：初めて聴いたのが幼稚園、4歳か５歳の時だったので、歌詞の意味はわからないが、声が好きで、幼いながら印象に残っていた。この映画に出演が決まり、聴き直してみても、すごいという印象は十年前と変わらない。どこか懐かしいものという気がする。

竹財：小学校の頃、姉が聴いているのを一緒に聴いたのが初めて。

Ｑ：歌詞の内容を読んでどうでしたか？

松下：絶対照れずにやろうと思っていたが、やはり恥ずかしいというところがあった。自分が普段、人に見せない顔をスクリーンの中に観て、こんな顔をしていたのかなと発見もした。歌詞の中で一番照れる、テールランプを点滅させたり、ヘルメットをぶつけたりするのは、映像でどうやるのか楽しみだったが、いざアイシテルとは、なかなか簡単には言えないと思ったが、ここが見せ場だと思って演じた。

竹財：歌のことは気にせず、一つの形としてやっていた。歌はそんなに意識していない。

Ｑ：初めての恋愛映画を撮り終えてどうでしたか？

監督：若い人でも照れたところがあり、実は、僕のほうが相当照れていたが、これは封印しなければと思った。そこが一番大変なところだった。

Ｑ：主演の二人の印象は、映画の撮影前と後で変わったりしたか？

監督：最初の印象からは全然変わっていない。
松下さんで一番印象的だったのは、東京芸術劇場でモーツァルトのピアノ協奏曲第20番のピアノを、1500人ぐらいの聴衆を前に、フルオーケストラをバックに弾かれたとき。ちょっと怖いぐらいの雰囲気でしたが、実際会ってみるとすごく気さくな人で、今も変わらない印象。
竹財くんは、オーディションで選ばせてもらったが、当時と雰囲気は変わらない。
この作品は、ある意味、陳腐な物語なので、計算ずくでやるのでなく、逆に自然体でやるほうが役者にとっては難しいと思う。しかし、二人は上手いことやってくれたと思う。

Ｑ：竹財さんは、ヒーローものは、完全に卒業ですか？

竹財：いや、そういうわけではありません（笑）。

Ｑ：自然に演じるという演出での苦労は？お二人でどんな話をしてシーンをつくっていったのか？

松下：アドリブも入れたりした。こうしよう、ああしようということよりは、投げて、受けてとやっているうちに、楽しい雰囲気が出てきて、思わず“地”で笑ったりしているシーンもある。

竹財：こうしようとかはほとんど話し合っていない。現場で出た雰囲気をそのまま、監督がいいものとして撮ってくれた。

Ｑ：学生のときとキャリアを積んだときと、5年以上の差について、演ずる上で意識した点は？

松下：服装や化粧は見た目でわかる。話し方、声のトーンとかは、十代から二十代の変化はすごくあると思う。大人はどこかすごく気持ちに余裕があったり、子供ではないけれど大人になりきれていないところとか、バランスよくできたらと思った。前のシーンが、十代、次のシーンが二十代のシーンだったりすると、こんがらかったりして大変でした。気持ちの切り替えとか、テンションの持っていき方が難しかった。

竹財：僕は年より若く見えるので、自分の経験していない年を演じるのは難しく、監督にも指示してもらい、間をとったり、トーンを落としたりして、落ち着いた感じを出した。

Ｑ：ラストシーン以外で、ラブシーンがあまり出てこないのは？

監督：僕としては、映画の中でラブシーンは見せたくなかった。（ラブシーンを）映像にすることはどうなのかなという思いがあった。

Ｑ：主演お二人のお互いについての印象は？

松下：少年のような部分と大人のような部分とを、両方とも持ち合わせていて、普段は冗談を言ってくれたりして、子どものようで、真剣なときは大人のようなお兄さんだなと。

竹財：第一印象は、すごくきれいな方。話してみるとすごく気さくで、少し男っぽい。さばさばとしていて、そこがありがたかったです。

Ｑ：さばさばとした、というところを具体的にいうと・・？

竹財：僕はきれいな人だと緊張してしまって話せない。（松下さんとは）男友達と話しているみたいで、好きですね。あ、いまのは誤解して書かれそうですね（笑）。

松下：・・だそうです。（会場笑）。

Ｑ：花火のシーンと二人の演技のシーンは別撮りだったのですか？

監督：はい、合成です。これは、現実的に一番いい方法をとった。あの場所で、実際に花火をあげるのが一番いいが、諸々のことを考えると合成にせざるをえなかった。花火は、事前に打ち合わせをして、全然違う場所で撮ったものを合成した。

Ｑ：一番気にいっている好きなシーンは？

松下：ヘルメットでアイシテルのサインをするところ。十代だからこそできること。私も照れていたのですごく印象に残っている、ということもあるが、ストレートに愛してるといえるのは、なかなかチャンスのないこと。

Ｑ：監督の印象は？

松下：お父さんみたい。撮っている最中は自由にやらせてもらい、だめなことについては「それはちょっとなあ」と言ってくれたり‥‥。撮っていないときは、とてもつっこみ甲斐があり、そこがおもしろくてよかった。真剣なときと真剣でないときのギャップがあって楽しかった。

竹財：暖かくて包んでくれるような方。撮ってないときは、すごくぼけを言って、なごませてくれた。僕が迷っていた時期があって、時間をさいて話し合いの場をもってくれたりして、お父さんみたいな感じでした。

　まっすぐな瞳で歯切れよく答えておられた松下さんと、繊細でさわやかな印象の竹財さん。お二人の笑顔を絶やさず、ざっくばらんな雰囲気が心に残りました。

　さやかの母親役を演じる松坂慶子さんと松下さんとのやりとりもみどころの一つ。家族や恋人、身近にいる大切な人への思いこそ、伝える機会はあまりないはず。だから、チャンスがあれば勇気を出して伝えて、という歌のテーマが、スクリーンで“カタチ”になりました。

―――― 演技をする上で難しかった点は？

目を開けた状態で見えない演技をするのが難しかったですね。
焦点を合わせないようにしましたが、どうしても目に表情が出てしまうので、最終的にはあまり考えすぎないようにしました。
あんまの師匠で、とても厳しい役でしたが、役柄にはすんなり入れました。

―――― ５年前なら断っていたということでしたが、何か心境の変化が？悪女を演じる魅力は？

優しい母親役に飽きたというのもありますね。見かけは厳しいのに温かみがあるとか、
一面的な役より裏があるほうが演じていて面白く感じます。

―――― 気に入っているセリフは？

セリフはたくさんありましたが「目の見えねぇモン同士だまし合ってたら、どんでして
生きていける」でしょうか。
最後のシーンではちょっと善人になりすぎたかな〜とあとで思いましたね。

―――― 　監督からのアドバイスは？

先ほどのセリフのときには動きなどで指示がありました。
監督はこの作品が２０年ぶりの撮影で、作品への思い入れもすごくあって、そういう空気が周りにも伝わりました。いいものにしようっていう。

―――― 声の出し方が特徴的でしたが、何か工夫はされましたか？

とくに意識はしていなかったんですが、自然とああなっていましたね。（低くはっきりとした発声）役によって声は変わります。今度の舞台では、また全然ちがいます。

――――かなり怖い役でしたよね？

普段は理子ちゃんたちとも冗談を言ったりしていたんですが、役に入ったとたん、
「はい！師匠！」と、こんなんなって（両肩を上げて縮み上がった様子）ましたね（笑）

―――― 舞台と映画のちがいは？

映画はカット割があって待ち時間がありますから、瞬間的に役に入って、また自分に戻る、舞台だと稽古は同じですが、始まると通しですから、そういう大きな違いがありますね。

―――― どちらが好きですか？

映画出身ですから映画の良さもありますし、舞台も観客の方の生の反応が感じられる面白さがあって･･････どちらも捨てがたいですね。

――――２０代〜４０代とずっと女優を続けてこられての変化は？

これからが、等身大の自分で女優としてやっていける時期だと思っています。
結婚して高橋になったとき、自分に近いところで演技ができると思いました。“関根惠子”という作られたイメージから開放されて。
その後、３０代の後半で壁を感じました。３９歳の頃は今より老けていたかもしれません。
４２歳から舞台をやり始め、５０代、６０代を見据えるようになった。そうしたら、まだまだ若いと。
５０歳になったとき、とても開放されました。
若くなければいけないということから開放され、家庭の仕事からも解放され。“何のために生まれてきたのか”“何がしたいのか”ということを改めて考え始めたのが５０歳です。
何才になったからこうでなくてはいけないということに捉われずに、その人その人の個性を磨いていったらいいんじゃないかなって。これからはコメディがやりたいですね。

―――― 日本の映画界について

色んな映画があっていいと思います。でも、限られた時間のなかで、あと何年女優として仕事できるか？観た人に温かいものを感じて欲しい、感動してもらいたい、そう思ったら『ふみ子の海』もそうですが、自分も成長できるような作品をこれからも作っていきたいと思います。

　
　感動するって大変なこと、感動する心を忘れると荒んでいく、という言葉が印象に残った。インタビューが始まる前から会場の設営を気軽に手伝って下さったり“中身が男っぽいもんですからね〜”と笑う姿から“しなやか”という言葉が浮かんだ。進化しつづける高橋さんをぜひスクリーンで確かめてみてほしい。

―――― 実際に目の見えない方に会われたそうですが、役作りの上で何か質問しましたか？
理子： みなさん、全力で走ったり、縄跳びしたり、キャッチボールしたりされていたので、自分も（演技が）わざとらしくならないようにやりました。それは、とくに質問をしなくても見ていてわかりました。

監督自身のブランク、難航した資金集めに加えて、ロケ地　新潟での二度の被災という困難を乗り越え、７年の歳月を経て完成した『ふみ子の海』。

なぜ海なのか？原作者の市川氏が近藤監督に語ったところによると、市川氏が生徒を海に連れて行ったとき、生徒たちは砂浜がわからなかったという。海もプールのようにコンクリートでできていると思っていたそうだ。そのときのショックから作品のモチーフに選ばれ、繰り返し海に思いを馳せるふみ子を通じて“目の光を失っても心の光を失ってはいけない”という作品全体のテーマへとつながってゆく。

理子ちゃんは、ふみ子を演じて強くなれたと語った。物語が逆境に耐える形にならないよう監督が心を砕いたのも、理子ちゃんと同じように、そこに希望を見出して欲しかったからにちがいない。

＜日本赤十字社　滋賀県評議員　小寺志げ子氏から寄せられた手紙＞

ヘレン・ケラーさんと京都駅でお会いした際、 「お一人、お一人の心の中のまたたく星と、心を照らす光を永久に消さないで下さい」 と仰っていたお言葉が映画を観まして懐かしく思いだされました。

監督からは自由にやってくれと言われていたので、脚本に書かれていない部分をどう演じて行くかを考えました。柿沢は強盗をやっていて楽しいのか？とか、何のためにやっているのかとかね。

―――何のためにやっていると考えられますか？

それはやっぱり、自分の存在意義とか価値を見出すためにやっているんじゃないかな。金を取ったからといってハッピーになるわけじゃない。それを自分の中でプロフェッショナルなスタンスに徹して、妥協せずにやっている。そうしないと自分が存在しないみたいなね。そんな妄想をしながらやっていました。　あと、この作品はアクション映画なんですけど、ボクはほとんどアクションがないんですよ。だから画面の中にいる“姿”がアクションになっているように心がけました。歩いている姿や銃を構えている姿が、アクションっぽく絵になるように。

―――共演者の城田さんの印象は？

ほとんど一緒のシーンはなかったので…。でも、若い子らみんな礼儀正しくていい子達でしたよ。

―――入り組んだストーリーゆえ、撮影ではまったく絡まなかった俳優さんが多くいると思いますが、出来上がりを見てみていかがでした？

自分のところはあまり冷静に見れないですが、パパイヤ鈴木さんと谷中さんの南米マフィアが面白かった（笑）あの2人は本当にあっちの人みたいでしたよね。あと関西ヤクザの近藤さんがよかったですね。あのインチキ臭さが。

―――伊原さんはこの映画のように危ないことに巻き込まれた経験とかありませんか？

危ないことですか？…ないですね。まじめに生きてるんで(笑)

―――渋谷でのロケは大変じゃなかった？

本当に渋谷でロケしてるんで、撮影前に物陰に隠れていてパッと出て行ってサッと終えるみたいなね（笑）。でも、まぁ背後に人が写っているところとかはエキストラですけどね。

―――原作は柿沢とアキのシリーズが続いているみたいですね。
そうなんですよ。それを見越して今回のラストシーンも作っているんです。お客さんの入りで続編が出来るか決まります（笑）

―――では最後に、これから見られる方へのメッセージを。

今までに無いようなテイストの作品になっているので、気楽に劇場に足を運んで楽しんでください。1時間46分で長くないですし（笑）そういっても、決してチープな映画ではない。ちゃんと作っているので、ぜひご覧ください。

　内面の美しさについては「恋をすること」と切り出すシルクに、気になるあの監督との交際へ質問が飛ぶと…「応援も行ってるし、食事もしますよ。でも私、英語話せるのにいつも通訳さんが付いて来るんですよ」との余裕の答えが。どうやら公私共に順調なのが、彼女の美の秘訣らしい。それはハル・ベリーならぬ女性全員に共通するところだろう。

　 最後に、シルクさんがハル・ベリーに“パーフェクト”に勝っているなと思うところは？と聞くと、すかさず「化粧品の量かな」と切り返す。…さすが、芸歴ウン十年。美の追求も芸の肥やしにする浪花のハル・ベリー、あっぱれである。

伊藤：こんばんは！いや、こんにちは！今日はお越し下さいましてありがとうございます。

観客：カッコいい〜！

司会：「カッコいい」って言われ慣れてますよね？

伊藤：そうですね！

司会：みなさん、今映画をご覧になって如何でしたか？

観客：カッコ良かった〜！面白かった〜！

伊藤：日本でもウェスタン、イケると思いませんか？

観客：（拍手！）

伊藤：今日は女性のお客さんが多いのびっくりしました。ウェスタンとか時代劇は男の世界ですから、女性の方に“面白い”と言って頂いて嬉しいです。

司会：これからも、ウェスタンを女性の方に楽しんで頂きたいですよね？

伊藤：でも、日本では二度とウェスタンは作られないと思います。

司会：あらっ、そうなんですか？

伊藤：中々難しいですから。

司会：やっぱり、撮影では大変なことはありましたか？

伊藤：いっぱいありました。全編英語ですから・・・。一番びっくりしたのは、ジャンゴは平八少年だったってことですね。僕はガンマンの役だったのですが、最初ジャンゴは誰なんだろうと分からなかったんです。周りも“やっぱお前だろう”って言うんでそう思っていたんです。ところが、試写でそれが平八少年だったって分かったときには、座席からズルって落ちましたからね！

司会：ジャンゴは私じゃなかったのか？！

伊藤：マカロニウェスタンも日本の平八少年が広めた、ということになってますからね。
日本からイタリアへ行って、さらにアメリカへ行くことになってます。どこまで厚かましいんだ、三池監督は！

Q：ハードな撮影で毎日コンディション管理など大変だったと思うのですが、気をつけていたこととかはありますか？

インソン：この映画の撮影ではテイクが100回あった中、私が98回出なければいけなかったので、非常に体力的にきつかった映画でもありました。撮影の合間に他の仕事に行ってまた戻って撮影をして、本当に大変でした。しかし、監督がいつも私を励まして下さいました。「今でもじゅうぶん頑張っているが、もうちょっと頑張ってみなさい。この撮影が終われば、全てのことはあなたのところに戻ってくるから」とおっしゃって下さるのに、どうして私が頑張れざるをえないと思いますか。ですから、最後まで頑張れたのだと思います。本当に監督が大きな方でした。

―――車に乗っていてトラブルに巻き込まれたことは？

そういえば、一回死にかけたことがあります。友達に車を借りて走っていたら、突然ターボがかかっちゃって、ブレーキを踏んでも加速し続けるんですよ。商店街を百何十キロで止まらなくなったことがあります。その時、助手席に友達が乗っていたんですけど、「危ないから冗談やめてくれ」みたいに言うんですけど、冗談では全然なくて。エンジン切ってもターボタイマーでエンジン切れなくて…。結局、何かの衝撃で止まって、幸いなことに車も友達も無傷だったんですけど。あれは本当に危なかったですね。

―――最後に、車の面白さはどういう所か教えてください

走っているだけで楽しいし車は本当に特別なもので、家のようでもあり、友達のようでもあるし、すごく不思議な存在。男なら誰でも夢中になれる居心地のいい空間だと思います。女性の方にもなぜ男が車に夢中になるのか分かってもらえたら嬉しいですね。

　車を好きになったきっかけは？と問うと「男に生まれたから」と即答するほど、根っからの車好きの中村さん。普段からお気に入りの音楽と共にドライブにはよく出かけるようだ。インタビュー後、行われたトークショーでは用意されていた180SX[RPS13]（劇中では鮎貝健演じるブライザッハ・グートマンの愛車）に乗り込む場面も!ただシートに腰掛けるだけで、映画さながらにカッコいい。その男らしさと高感度大のハニカミ笑顔で集まった女性ファンを一瞬でメロメロに痺れさせ『スピードマスター』のキャンペーンは大成功に幕を閉じたのだった。

【試写会イベント】儀間太久実さん

映画『魔笛』の試写会で、口笛世界一に輝いた“くちぶえ王子”こと・儀間太久実（ぎまたくみ）さんが舞台挨拶をした。

１０歳の頃から独学で口笛を始め、現在「音楽としての口笛」を広めるための活動を精力的にしている、 関西学院大学２回生の１９歳。
ノースカロライナ州で行われた第３４回世界口笛大会のティーンの部優勝。「トルコ行進曲」と、テレビ番組「情熱大陸」のテーマ曲を１０分間演奏。大喝采を浴びた。

―――監督がつらいと思ったことは？

　初めの１年は辛かったですね。話を聞くとすごくリアルで。おばちゃんたちも今だに3月が近づくと当時の夢を見たりするそうなんですが、僕も夢の中で話の内容を思い出しちゃったり。でも、それを乗り越えると淡々と聞けるようになりました。それにおばちゃん達から「ありがとう。こんなに話せると思わなかったよ」って言ってもらえて嬉しかったので。

―――撮影の場所について

　撮影は必ず戦場に行くことに決めていました。自宅で聞くと日常生活の感情を引きずってしまうと思ったので。でも、戦場に行くということは決心のいること。その決心をしてもらった上での撮影となりました。

―――1994年に撮り始めてから13年経っています。ここで撮影に区切りをつけたのはなぜですか？

　区切りをつけたのは、おばちゃんたちが会うたびに小さくなってきて…。初めは一本の映画にまとめるつもりは無かったんだけれど、病気になる方も増えていくなかで、やっぱりおばちゃんたちの目の黒い内に「自分たちの映画だ」と思ってもらえる映画を作りたいなと。ひめゆりの話って放っとくと美談になっちゃうので。

ある時「ひめゆりの生存者たちは、死んでいった生徒たちへ対する冒涜だ」って書きたてた人がいた。お国のために死にたかった、兵隊さんと共に死にたかったんだと。それを実は助けてくれと言ったとか、お母さんと言って死んだとかいうのは、死んでいった者への冒涜だって。今ならそんなこと言っても、誰かが「そんなことないよ」ってって言うじゃないですか？でも、おばちゃんたちが死んでしまって、誰もそんなことないよって言う人が居なくなったら、「そうだよね、あの資料館はどうのこうの・・」言われるのはあまりにも悲しい。だったら今、きちっと自分たちの映画ですよって言うスタンスのものを作ろうと思ったんです。

―――時間にしてどれくらいの証言を撮られたのですか？

　全部で120時間です。初めは戦前の話だけでまとめようと思っていたんです。どうして少女たちが戦争に行ってしまったのか？だけで映画を作りたいなと思っていた。でも、実はひめゆりって虚像ばかりで、本当のひめゆりって誰も知らないんだなと思って、今回は1章2章3章と戦時中についてまとめました。いつか4章で戦前のこと、5章で戦後のことをまとめて発表できたらいいなと思っています。

―――おばちゃんたちはこの映画を見てどんな感想でしたか？

　今までの映画化、ドラマ化など、憤慨したこともあったけど、ようやく自分たちの映画が出来たと喜んでくれました。

―――DVD化はしないそうですね

　はい、ひめゆりのおばちゃんたちが、映像が自分たちの手の届かないところに行くことを恐れている。ので、劇場公開のみになります。でも、自主上映を受け付けたり、東京では毎年6月になったら1週間でも2週間でも上映してくれるという線でやっていければいいなと。

　「私たちの体験をきちんとした形で映像に残したい」そんなひめゆり学徒の生存者の声が本当にリアルに胸に迫ってくる。当時、戦場となった海岸や豪の前で涙を浮かべながら、体験した悲惨な看護活動、亡くなっていった友人への想いを語る彼女たちの姿からは、残酷な戦争を二度と繰り返さない決意と訴えが伝わってくる。まさに｢平和へのバトン｣。無視できない作品である。

　体は小さいが料理への情熱を人一倍もち合わせているレミーの愛らしさや、レミーとリングイニの堅い友情、おいしそうな食事の数々など。見た目にもストーリー的にも楽しめる。そんなこの夏イチオシの『レミーのおいしいレストラン』から、絵コンテアーチストを担当しているピクサーの新進気鋭の若手アニメーター、ルイス・ゴンザレス氏が来日。映画やピクサーについて、アニメーターになったきっかけなどを語ってくれた。

―――ルイスさんは絵コンテを担当するアニメーターということですが、主にどの部分から映画の制作に関わっているのですか？

　 まず、監督が脚本を書きますよね。その次に監督はそれを絵で見なくてはいけないので、私たち絵コンテアーチスト部門に脚本が渡されます。私たちはそれを描いていく作業を進めるのですが、時おり文字だけの情報として「大爆発が起きる！」とか「今まで映画史上見たことがないアクションシーン満載の5分間！」など実際どういうことか具体的に分らないこともありますが（笑）監督が描いた世界を視覚的に合致させるために絵を描くというのが私たちの仕事なのです。
　
　 監督が思い描いていたことが、目で見れた時点でこの絵コンテのあとの人間たちが実際の映画の作業に取り掛かります。通常、映画が完成される1年くらい前には我々絵コンテアーチストたちは仕事が終わっている場合がほとんどなんですね。

―――絵を思い浮かべるには想像力が必要です。その想像力を養うために心がけていることはありますか？

　 絵コンテアーチストたちはみんな映画が大好きで、古い映画から新しい映画、外国映画まで新たな視点を得るために、あらゆるものを見て吸収しています。もう1つは、自分がカメラになったフリをすることですね。自分の頭の中で一度“映画を見る”ということをして、それが、出来た時点で絵を描き始めるんです。

―――アニメーターになるきっかけの１つに日本のアニメ「カリオストロの城」や「ガッチャマン」に影響を受けたと聞きました。それらのアニメにはどういう所に魅力を感じられたんですか？

　 子供のころからディズニー作品は好きで見ていましたが、それ以外の作品でも、『カリオストロの城』や『ガッチャマン』などのように、アクションアドベンチャーものというアニメをそれまで見たことがなかったんですね。それらの作品で「アニメーションアニメでもこういうことが出来るのか」と初めて知ったんです。大人向けのテーマを含んでいるのも新鮮で衝撃でした。アニメでこういうことが出来るなら実際に自分もやってみたいと思ったターニングポイントでもあり、開眼させられるものでもありました。

―――それらの作品は映画館で見られたのですか？

　いいえ、テレビで見ていました。でも残念ながらこのシリーズはアメリカでめちゃくちゃな加工がされていまして、マントではなくケープで飛ぶ犬を連れたロボットですとか、余計なキャラクターが出てきたりしていました（笑）。それがなければもっとすごいのにと子供心に思ったりしていましたね。しかも、そのロボットがまるでR2-D2を真似したような悲しい代物で（笑）

―――2000年にピクサーに入社した時の印象は？

　 この映画の監督でもあるブラッド・バード監督のプロデューサーからピクサーに来ないかと誘われたときは、ロスに在住でしたので、ピクサーといえばサンフランシスコに引っ越さなくてはいけないですし、家族もいるので初めはムリだと思っていました。それにピクサーはあまり給料がよくありません（笑）初めに提示された額ではとても引っ越して家族を養えないと思い断っていたんですが、結局行くということになりまして。でも、ピクサーで働けるということはエキサイティングなことです。ピクサーのような素晴らしいストーリー、キャラクターを送り出し続けるスタジオで働けるということは、とても幸せなことだと思っています。

―――今回の映画「レミーのおいしいレストラン」は、これまでのピクサーと少し違うなと感じました。ルイスさんは完成版を見てどう思われましたか？

　 そうですね。とても洗練された映画になっていると思います。独自の視点、独自の観点があり、ブラッド・バード監督にとっても非常に大きな飛躍になった作品ではないかと思います。しかし、あえて大人向けにしたわけではありませんし、子供にも楽しんでもらえる映画になっていると思います。

―――ルイスさんも監督をしてみたい気持ちはある？

　 いつの日か、自分も監督をしたいと思っていますが、まだ今は偉大な監督たちのもと学ぶべきことがありますので。いつか、監督という大役を担った時に、私が今監督たちからインスピレーションを受けているのと同様に、自分のスタッフたちにもインスピレーションを与えられたらなと思います。

　インタビューの最後に、実際にレミーを描いて見せてくれたルイス氏。一見するとアニメーターには見えないゴツイ体つきだが、ペンを走らせる手つきは丁寧で繊細そのもの。描きあがったレミーの動きのあるナイスな表情からは、ルイス氏の人の良さが表れているかのようだ。本物のアニメーターとわずかな時間であるが始めて対面してみて、ピクサーアニメがどうして面白いか分かったような気がした。

７/２８(土)?テアトル梅田
８/１１(土)?第七藝術劇場、京都シネマ
８/１８(土)?神戸アートビレッジセンター　

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―――そういう視点とは一般的ですか？

　いいえ。まず、アメリカ人のほとんどは原爆に関しての認識が非常に乏しい。原爆が投下されて戦争が終結したという認識くらいしかないのです。実際に、意見を持つ人の中では、原爆を正当化できないと感じているアメリカ人もいます。でも、やむ終えず投下すべきだったと感じている人も多いです。

　トゥルーマン元大統領が当時、日本に大変な災難が起きるかもしれないとヒントを与えた、日本は警告を受けていたと思っているアメリカ人も多いです。チラシなどが配られほとんどの日本人が知っていたといいますが、私が取材した被爆者の中でそれを読んだことがある人はいませんでした。

　 アメリカ人の多くは被爆者の苦難に関して考えることが耐え切れないからこそ、論争に走ってしまう傾向があると思います。しかし、原爆が投下されたという事実は変わりませんから、論争する前に原爆が投下された事実を受け止めて、犠牲になった命に耳を傾けることが先決だと感じました。アメリカ人の中で原爆の投下を正当化できると感じている人と、出来ないと思っている人は五分五分だと思います。

―――日本人でも見たことのない当時の記録映像がたくさんありました。未公開映像などもたくさんあるのですか？

　 ルイス大尉が出てくるアメリカの番組は、1955年にアメリカで非常に有名だったTV番組のワンシーンです。あと、原爆が投下されたあとの部分で、貧しい生活を強いられた人々のバラックや洞窟などの映像は今回初めて公開しているものもあります。そして、一番最後の核兵器の実験の映像は未公開のものです。

　見るに耐えない残酷な記録映像もあり、私もその映像を挿入するかとても悩みました。というのも、その映像を入れることで視聴者が逃げてしまうのではないかと思ったからです。しかし、製作側に「あなたの映画作家としての任務は、事実をなるべく包括的に自己完結せずにしっかりと語ることだ。全部含むべきことは含んでくれ」と励まされましたので全て含みました。それゆえに、この作品をなるべく退屈なものではなくハリウッド映画に匹敵する興味深い作品にしようと心に決め、しっかりと見てもらうためにクオリティーの高いものを目指しました。

―――退屈な映画にしないためにどこに一番気を使いましたか？

　 基本的にドキュメンタリー映画の大半は退屈なものが多いと思います。特に過去を題材とするもの。今回はそんな中でどういう風にエンターテイメントとして、しっかり作っていくかが課題でした。作品の冒頭に若者たちの映像を挿入したのは、この作品が一体どういう映画なにかを考えさせるような、あるいは、原爆のドキュメンタリーだという期待を裏切るような形で初めていきたいと思ったからです。そのあとは、必然的に重い課題に入っていくのですが、映画としてはハリウッドと匹敵するくらいしっかりと強烈な物語を提供しないといけないと思いました。そして、広島と長崎というのは、史上最も劇的な出来事として、そこに人間のドラマと葛藤がすぐそこにあるのだから、非常に興味深いインパクトのある物語をもっている被爆者の方々を紹介し、みんなが見てしっかりと納得できる映画を作りたいと思いました。

―――25年前に原爆の話に出会うまで、日系三世として原爆に対する教えはどういう風に受けてきましたか？

　日系人としてもアメリカ人としても原爆に関する知識は、ほとんど与えられませんでした。かろうじて学校で「原爆が投下されて戦争が終結した」と教えられる。それくらいの認識です。しかし、日系人としてこの映画に挑むことに関して、両側の視点から物語を語ることが出来るのは非常に良い立場にいたと思っています。特に被爆者のインタビューの撮影の際には、聞き手が日本人なら遠慮がちになったかもしれないし、白人のアメリカ人なら何らかの壁があったかもしれない。その点では、日系人という立場は有意義でした。

―――原爆に興味をもったきっかけは？

　きっかけはサンフランシスコで月に１回集まっていた「被爆者の会」と出会ったことです。そのあとすぐ、知人が『はだしのゲン』の英訳をしていたので、それを読み衝撃を受けました。その2つからいろいろ感銘を受けました。

―――どういう風な衝撃を受けられたんですか？

　 『はだしのゲン』には、原爆が投下された当日のことだけでなく、その後の被爆者の葛藤をいかに誠実に素直に描いているかが私にとって衝撃でした。特に、被爆者が日本の社会でどれくらい残酷に扱われてきたかに非常に驚きショックを受けました。

―――冒頭で若者に「1945年の8月6日に何があったか知っていますか？」とインタビューをしています。その中で、誰も正確に答えられませんでしたが、あれは本当に8月6日について誰も知らなかったのですか？

　 私もインタビュー前は、6割くらいの若者が正解すると予測していました。しかし、東京の竹下通りで声をかけた最初の8人が誰ひとり答えられなかった。ショックでしたが、これもそれなりのメッセージだと思い、そのまま8人全員映画に使いました。

―――インタビューを聞きだす際に困ったことはありませんでしたか？

　被爆者の取材で家に訪問する場合には、私たちが彼らの息子の友達であるかのように招いていただきました。今までの聞き手は遠慮があるのか、たくさん質問を聞いて来なかったと思うんですね。私たちとしては、しっかりと色んな事を質問して、また被爆者の方々からももっと語りたいという姿勢を感じました。
何度か15人くらいに集まってもらい話を聞いたことがあったんですが、初めの1人2人が非常に長い体験談を話すと、最後の方にいる人たちが怒り出して「そんなに長く話すと我々が語る時間が無くなるではないか」と競争するくらいみなさんは体験談を話したがっていました。しかし、周囲に被爆者ということが知れると子孫の結婚や就職に妨げがあるのではないかという恐れで語っていただけなかった人も多くいました。

　インタビューの最後に、「日本は今、大切な転換期にある。昔のことをどんどん過去に追いやって未来へと走っていくなかで、こういった作品を改めて見直すことも大切だと思う。
広島と長崎に関しては戦略と政治という観点から語られることが多く、その中では度々人間の犠牲が無視されてしまっている。その人間性にこそ我々の作品は焦点を置いたつもりです」と語ってくれたオカザキ監督。そのメッセージを是非、劇場で感じて欲しい。

6月30日（土）シネ・リーブル梅田、シネマート心斎橋、シネカノン神戸、7月21日（土）京都みなみ会館にて公開

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竹内：台本を頂いて読んだ時に、「あっ私にもこういう役をふって頂けるのか」という新鮮な喜びがありました。あと、普段は台本を読んだときには自分が演じる役柄に感情をもっていくのですが、今回は10歳の薫の方に目線が重なってしまって。その薫から見たちょっと不思議な女の人という感じにすごく惹かれましたね。

―――花奈ちゃんは、竹内さんとのやり取りは難しくなかった？

松本：薫役が私と似ている感じだったから、難しいと思ったことはあんまりなかったです。

―――花奈ちゃんからと竹内さん、お互いの印象は？

松本：一番初めに会ったときは、背が高くてきれいなお姉さんだなぁと。話しかけたら明るい感じの人だと思いました。

竹内：私も話しかけてもらってリラックスできましたね。上目遣いで「竹内さんはどんな動物が好きですか？」と話しかけられてちょっと胸がキュンとしたり（笑）時々、変化球のある質問が飛んで来るのでいつもそれを楽しみにしていましたね。